La Tempestad

Formada como lingüista, el trabajo de Ana Teresa Fernández se desarrolla entre el performance, la pintura y la intervención pública. En esos cruces disciplinares reflexiona sobre las fronteras, la migración y la fragilidad de los ecosistemas. Nacida en Tampico en 1981 y radicada en San Francisco, en la obra de la artista el cuerpo es detonador político y poético: acciones aparentemente simples revelan tensiones sociales y ambientales de enorme escala.

Under Pressure, en la Sala Rubin & Paula Torres del National Museum of Mexican Art de Chicago hasta el 2 de agosto, es la primera muestra individual de Fernández en la ciudad estadounidense. Con curaduría de Guadalupe García, la exposición presenta video, instalación, pintura y performance para abordar la crisis ambiental y la presión ejercida por la actividad humana en el planeta. Una de las piezas centrales surge de una acción performática en la que la artista presiona con el tacón del zapato un globo lleno de tinta azul, evocando el deshielo de los glaciares y el inminente desbordamiento de las aguas. La muestra se complementa con S.O.S., intervención colectiva realizada en la Ohio Street Beach durante la Expo Chicago, donde cientos de espejos reflejaron luz solar en código Morse como llamado urgente ante la emergencia ambiental.

¿Qué variaciones introduces en Under Pressure respecto a proyectos anteriores, que también abordan la frontera?

Mi producción artística anterior examina las fronteras físicas y psicológicas, tanto nacionales como de género, mediante intervenciones en las vallas fronterizas entre México y Estados Unidos y acciones en entornos domésticos. Mis proyectos cuestionan mecanismos arcaicos de segregación y control social, como la eliminación visual de la valla mediante pintura azul cielo en Borrando la frontera [2011] o la personificación de objetos cotidianos en labores domésticas. En contraste, Under Pressure se centra en las fronteras naturales y dinámicas: la transición entre la tierra y el agua y los cambios entre estados de la materia. A diferencia de las barreras artificiales, estas líneas divisorias poseen una fluidez intrínseca y una actividad constante.

‘“’Under Pressure’ se centra en las fronteras naturales y dinámicas: la transición entre la tierra y el agua y los cambios entre estados de la materia. A diferencia de las barreras artificiales, estas líneas divisorias poseen una fluidez intrínseca y una actividad constante”: Ana Teresa Fernández

No obstante, estas fronteras enfrentan alteraciones severas debido al impacto antropogénico. El derretimiento de los glaciares, impulsado por las emisiones de gases de efecto invernadero, provoca el ascenso del nivel del mar y el desplazamiento de comunidades costeras. Esta migración forzada conlleva la pérdida irreversible de lenguas ancestrales; se estima la extinción de aproximadamente siete mil idiomas en este siglo. Under Pressure busca generar conciencia sobre estas relaciones de causalidad empleando materiales comunes, lenguaje, metáforas y la convergencia de diversas mitologías globales.

El título de la muestra sugiere una fuerza de presión constante. ¿Cómo se traduce en decisiones formales?

Durante la niñez es común registrar la estatura mediante marcas sobre una pared; al alcanzar la madurez surge la interrogante sobre qué parámetros emplear para medir el crecimiento en los ámbitos emocional, psicológico y cultural. En la actualidad, el concepto de crecimiento parece haber sido sustituido por una voracidad orientada a la acumulación. En este proceso de acopio generamos una nueva impronta: la denominada “huella” o footprint, que representa el impacto humano sobre el medioambiente.

En la pieza audiovisual se observa un globo blanco de superficie brillante que contiene agua en un tono azul ultramar. Un estilete ingresa lentamente al encuadre situándose sobre el globo, asumiendo un rol antagonista que proyecta una amenaza constante. El tacón puntiagudo ejerce presión sobre el objeto, desfigurando y tensándolo hasta alcanzar su límite de resistencia, momento en el cual se produce el estallido. El azul se dispersa violentamente, dejando el contenedor original inerte bajo el calzado, asemejando un condón desechado.

Háblanos del papel juega el contexto político y mediático en la lectura de esta exposición.

Esta intervención trasciende el discurso político contemporáneo para interpelar el legado del expresionismo abstracto, un movimiento históricamente dominado por figuras masculinas. La obra se configura como una sátira y una crítica de las masculinidades que subyacen en las crisis políticas actuales. En Under Pressure se extraen las tonalidades cromáticas de vistas aéreas de glaciares en la Antártida y Groenlandia para depositarlas en globos dispuestos sobre pergaminos en el suelo; estos últimos se organizan en capas que delinean las siluetas glaciares sobre las masas terrestres. El proceso pictórico se ejecuta mediante la explosión de dichos globos con mi peso, generando piezas de abstracción expresionista cuyos patrones residuales, al secarse, emulan cartografías aéreas.

¿Cómo negocias la visibilidad del cuerpo dentro de espacios cargados de vigilancia y control?

Oculto el cuerpo para visibilizar temáticas complejas. Las mantas térmicas, desarrolladas por la NASA en 1964 para la exploración espacial, se emplean actualmente en centros de detención para individuos catalogados como extranjeros ilegales: ilegal aliens. Resulta paradójico y absurdo el contraste entre su origen tecnológico y su uso punitivo contemporáneo. En otra de mis intervenciones me propuse reinterpretar la obra surrealista Los amantes de René Magritte, que retrata a una pareja besándose con los rostros cubiertos por telas blancas. Mi esposo y yo recreamos esta escena utilizando mantas térmicas en la franja fronteriza entre Estados Unidos y México, específicamente en la zona costera de San Diego.

Resulta interesante pensar en qué formas dialoga tu exposición con las narrativas institucionales de un espacio como el National Museum of Mexican Art.

La temática recurrente que identifico en el museo es la reivindicación de los derechos de la población migrante en Estados Unidos, abarcando dimensiones laborales y existenciales. Esta postura es uno de los pilares fundamentales y de los mayores atractivos de la institución. En lo que respecta al enfoque técnico y material, se percibe una transición: el museo ha comenzado a integrar artistas con propuestas de carácter más conceptual, un proceso del que formo parte. La institución no solo respaldó esta visión sino que fue el catalizador para la realización de la intervención pública denominada S.O.S. durante Expo Chicago.

“Los participantes utilizaron espejos para reflejar la luz solar, generando destellos intermitentes como un clamor de auxilio a favor del ecosistema lacustre. El lago experimenta la pérdida anual de miles de millones de galones de agua”: Ana Teresa Fernández

Propongo el término “monumento social” en lugar de “intervención” debido a que ofrece una mayor profundidad conceptual sobre la naturaleza de la obra. El proyecto consistió en la representación de S.O.S. en código Morse (tres puntos, tres rayas, tres puntos) mediante la colaboración de cientos de ciudadanos en la ribera del Lago Michigan, en Chicago. Los participantes utilizaron espejos para reflejar la luz solar, generando destellos intermitentes como un clamor de auxilio a favor del ecosistema lacustre. El lago experimenta la pérdida anual de miles de millones de galones de agua debido a la evaporación –una frontera física donde la materia transita del estado líquido al gaseoso.

¿Qué relación hay entre lo efímero del performance y la permanencia de la imagen en la serie Under Pressure?

En la contemporaneidad la noción de lo efímero ha quedado prácticamente diluida ante la presencia ubicua de dispositivos de registro; la documentación se ha vuelto la norma, convirtiendo en una excepción cualquier vivencia o acción que no sea capturada. Mi interés radica en realizar una aportación a la historiografía del óleo sobre lienzo, un medio que durante siglos ha sido dominado por la perspectiva masculina, caracterizada por la creación de narrativas ficticias y representaciones hiperbólicas de la figura femenina. Así, concibo la pintura como un ejercicio autobiográfico y un registro fidedigno que documenta mis performances, alejándose de la ficción. En mi trabajo la cualidad de permanencia reside fundamentalmente en la vida de la pintura, más que en el registro fotográfico.

“Mi interés radica en realizar una aportación a la historiografía del óleo sobre lienzo, un medio que durante siglos ha sido dominado por la perspectiva masculina, caracterizada por la creación de narrativas ficticias y representaciones hiperbólicas de la figura femenina”: Ana Teresa Fernández

¿Cómo dialoga la exposición con otras geografías de frontera, más allá de la México-Estados Unidos?

Esta obra presenta una distinción fundamental respecto a mi producción anterior, que se inscribía con mayor énfasis en el concepto de “fabulación crítica” propuesto por Saidiya Hartman. Ese enfoque metodológico combina la investigación de archivos con la narrativa especulativa para visibilizar los silencios y las violencias presentes en los registros históricos, manifestándose a través de acciones ejecutadas in situ. Por el contrario, en el performance de Under Pressure me veo en la necesidad de construir un entorno teatral concebido específicamente para el registro videográfico, espacio donde se desarrolla la acción performática. Esta acción, posteriormente, da origen a la pintura, estableciendo una relación metalingüística en la que el acto de pintar se convierte en el sujeto mismo de la obra. En analogía con el uso del espejo y el reflejo, este performance se constituye como un reflejo del reflejo.

¿Qué tipo de fricciones o resistencias has encontrado al insertar este trabajo en circuitos artísticos internacionales?

El ecosistema del arte se caracteriza por la existencia de microtendencias y microclimas efímeros. Desde mi etapa de formación académica, mi propuesta artística se ha mantenido fiel a las temáticas y materialidades que despiertan mi interés intelectual. Mi identidad creativa se manifiesta tanto en la utilización de objetos vernáculos –como cucharas de plástico– como en la ejecución de óleos que retratan acciones performáticas –por ejemplo destapando un excusado vistiendo indumentaria de tango y estiletes. Esto a veces deriva en un distanciamiento de las tendencias dominantes, lo que puede ralentizar la recepción inicial de la obra. Mi perspectiva es la de una creadora originaria de Tampico, Tamaulipas, establecida en San Diego desde los once años y con un bagaje de cinco idiomas; una voz forjada en la intersección de dos costas con configuraciones culturales profundamente divergentes.