La Tempestad

Originaria de la Ciudad de México, Iliana Ortega obtuvo la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Guanajuato. Posteriormente se convirtió en la primera artista mexicana del programa de Maestría en Pintura (MFA) de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, uno de los departamentos más prestigiosos en su campo. Tras concluir los estudios de posgrado, Ortega se trasladó a Nueva York antes de establecerse en Sagaponack, al este de Long Island, una región históricamente asociada con el expresionismo abstracto y figuras como Jackson Pollock, Willem de Kooning y Adolph Gottlieb, cuyas trayectorias se consolidaron entre las décadas del cuarenta y el cincuenta.

Iliana Ortega se gana la vida, no sin dificultades, a través de la venta de obra, mientras trata de encontrar su lugar en Estados Unidos, un país que se debate entre problemáticas y etiquetas identitarias. A pesar de estas complejidades, su trabajo es ampliamente reconocido por su rigor y sensibilidad, particularmente sus dibujos y fotografías, muchos de los cuales están inspirados en el mar. El agua ha sido uno de sus temas centrales, y le ha permitido explorar los conceptos de movimiento, luz, ritmo y fuerza natural.

El trabajo de Ortega tiende puentes entre la claridad estructural de la abstracción y un profundo compromiso intelectual. A través de la percepción sensorial de la realidad y del entorno, su obra contextualiza la interacción entre las idiosincrasias humanas y las fuerzas naturales, haciendo que la conexión entre ambos mundos se perciba orgánica. La forma, la línea y el color transmiten tanto armonía como tensión, al tiempo que se nutren del intelecto y de una intuición casi metafísica. De este modo, une magistralmente modos de percepción a menudo opuestos, logrando que coexistan con naturalidad.

En una etapa decisiva de su trayectoria, Iliana Ortega ha desarrollado un método que le permite integrar los instintos humanos más primarios, dándoles forma dentro de su práctica. Los elementos abstractos existen de manera independiente, pero contribuyen a la unidad general de la imagen. Algunas áreas de su obra pueden parecer agresivas y enérgicas, pero su enfoque es constante, y se arraiga en una conexión profunda con la intensidad primigenia del mar.

En una etapa decisiva de su trayectoria, Iliana Ortega ha desarrollado un método que le permite integrar los instintos humanos más primarios, dándoles forma dentro de su práctica. Los elementos abstractos existen de manera independiente, pero contribuyen a la unidad general de la imagen.

Estos dibujos, realizados generalmente mediante la aplicación de acuarela sobre papel de algodón, transmiten la vida de corrientes en movimiento y remansos inmóviles sin hacer referencia directa al agua. El material se ha transformado en un vehículo de existencia visual, evocando la memoria del agua al transmutarla en otro medio. Su densidad física se representa a través de la aproximación visual a su fluidez. Al sustraer el peso del agua real en sus dibujos, Ortega la reimagina sobre el papel, dominado por la planitud de su superficie. Las obras, que varían en dimensiones, forman un conjunto cohesivo y son parte de una serie de más de cien acuarelas iridiscentes que Ortega realizó en Hawái y Nueva York entre 2020 y 2025.

Predominantemente abstractas, las acuarelas contienen formas que evocan plantas marinas y flora oceánica. Ortega creció en una región de México sin salida al mar, pero tiene una profunda conexión con el agua. Durante el último año ha vivido en Sagaponack, un tranquilo pueblo agrícola en el extremo sur de Long Island, donde la escasa presencia humana y el entorno natural han influido en su práctica artística. La proximidad a sitios vinculados con el modernismo estadounidense, incluida la región más amplia de East Hampton, sitúa su trabajo dentro de un paisaje históricamente cargado de producción artística.

Cuando una artista como Ortega cambia de paisaje, es algo más que un simple desplazamiento, implica una transformación de la percepción, la apertura a una nueva visión. El tema se convierte en una ventana al interior de la artista, que revela no sólo una nueva forma de ver sino de estar en el mundo. Si bien la mayoría de sus creaciones se inscriben en la abstracción, la fotografía constituye el ámbito en el que recurre a la representación. En sus piezas el color posee una cualidad lumínica tan intensa que las formas parecen irradiar una luz interior. Esta transparencia iluminada potencia las formas, otorgándoles una presencia visual duradera, como si el movimiento infinito del mar no solo fuera capturado sino también transformado en una metáfora de la belleza y la confianza perdurables.

Esta transparencia iluminada potencia las formas, otorgándoles una presencia visual duradera, como si el movimiento infinito del mar no solo fuera capturado sino también transformado en una metáfora de la belleza y la confianza perdurables.

En Carl Andre (2022) aparece una imagen de mayor carga figurativa y con implicaciones sociales, pues hace referencia al escultor minimalista y la controversia sobre la muerte de su compañera, la reconocida artista Ana Mendieta. La figura, en el dibujo de Ortega, es discernible: se trata de una cabeza con una fina capa de cabello castaño, mientras que el rostro presenta una mitad superior azul cielo y una mitad inferior gris. Ambas carecen de rasgos. La cabeza se sitúa sobre hombros y un torso inclinados, construidos mediante formas de distintos matices cromáticos. El conjunto de la cabeza y la parte superior del cuerpo, de ningún modo realista, genera una distorsión que nos inclina a lo inquietante.

El dibujo vincula a Iliana Ortega con el arte contemporáneo reciente. La elección del tema posee una relevancia particular: es difícil determinar si la artista se identifica con Mendieta o si sencillamente abstrae la figura más cercana a su muerte, pero su mención mantiene viva la controversia. Aunque la obra no pueda considerarse precisa en su tratamiento –al alejarse de la figuración hacia la abstracción–, Andre se hace presente en este retrato como alguien que pudo estar implicado en la muerte de la cubana-estadounidense.

Podemos ahora referirnos a una de las obras más logradas de Ortega, Moloka‘i (2022). A la izquierda, aparece una gran masa azul compuesta por trazos de distinto grosor. Sus bordes se vuelven intrincados mediante filamentos finos, casi de apariencia encaje, que se desprenden del cuerpo azul al que permanecen unidos. Bajo este conjunto gestáltico, más libremente visible en el lado derecho, se encuentra una serie de formas pétreas en tonos azul y gris roca. Sabemos por el título que Ortega hace referencia a una isla específica del océano Pacífico, pero no se percibe realmente la construcción de una masa de tierra separada. En su lugar, las referencias han sido transformadas en objetos abstractos. En cualquier caso, la sensación de estar percibiendo elementos naturales persiste en Moloka‘i y en otros dibujos.

En un momento en el que la pintura no figurativa suele preferirse sobre la imitación realista de formas, Iliana Ortega resuelve esa falsa dicotomía fusionando tonos –y en menor medida formas– que remiten claramente al océano, al tiempo que alude a la abstracción modernista estadounidense.

En un momento en el que la pintura no figurativa suele preferirse sobre la imitación realista de formas, Iliana Ortega resuelve esa falsa dicotomía fusionando tonos –y en menor medida formas– que remiten claramente al océano, al tiempo que alude a la abstracción modernista estadounidense. Viene a la mente, por ejemplo, Arthur Dove, que utilizó el paisaje para crear una obra no figurativa de extraordinaria belleza. Varias generaciones después, en Ortega pueden advertirse tratamientos similares de la realidad visual, especialmente en las relaciones de proximidad y distancia entre abstracción y realismo.

A pesar del tamaño relativamente reducido de sus obras, Ortega transforma su cercanía con el mar en algo casi mítico. Un conjunto de contradicciones –el movimiento frente a la quietud, la abstracción frente a la figuración– da lugar a un arte que persiste en nuestros pensamientos y nuestra mirada. Es probable que la artista no se propusiera de manera deliberada representar estas oposiciones e intrincaciones visionarias, pero están presentes en sus dibujos. La suya es una obra que merece ser contemplada.